[박물관 여행] "루브르 박물관"에서 꼭!! 봐야 할 명작들

수년 동안 왕실로 사용한 후, 루브르는 마침내 프랑스혁명 기간 동안 국회에서 국가의 걸작들을 전시하기 위해 박물관으로 개조되었다. 1793년 8월 10일 537점의 그림이 전시된 박물관이 문을 열었다.

고대 문명에서 19세기 중반까지의 작품을 소장한 루브르 박물관은 세계에서 가장 큰 미술관이다. 프랑스 파리에 위치한 이 박물관은 2018년에 1억 2천만 명의 방문객을 수용하는 세계에서 가장 많이 방문한 미술관이기도 하다.

루브르 박물관의 미술품 수집품에는 다양한 예술 운동의 그림과 조각이 들어 있다. 여기에는 고대 그레코 로마 미술에 대한 새로운 관심으로 특징지어지는 르네상스 운동, 고전 예술에서 영감을 얻은 신고전주의 감성과 개인주의뿐만 아니라 과거와 자연의 미화에 중점을 둔 낭만주의 루브르 박물관에서 가장 유명한 10개의 작품으로는 'VENUS de MILO'와 '사모트라케의 니케(승리의 여신;니케)'와 같은 고대 조각품이 있다.

'모나리자'와 같은 르네상스 걸작 '호라티우스 형제의 맹세'와 같은 신고전주의 그림 그리고 상징적인 낭만주의 작품인 'LIBERTY LEADING THE PEOPLE'(민중을 이끄는 자유의 여신)과 같은 작품이 있다.

 

 

17. 자크 루이 데이비드 - 나폴레옹 황제의 봉헌과 조세프 황후 대관식  The Coronation of Napoleon

French Title: Le Sacre de Napoléon ,  Jacques-Louis David

1805–07 (exhibited 1808), Oil on canvas, 6.21 m × 9.79 m (20 ft 4 in × 32 ft 1 in), Louvre, Paris, France

 

자크 루이 다비드(Jacques-Louis David, 1748. 8. 30 ~ 1825. 12. 29)는 프랑스혁명의 '공식 아티스트'로 일하면서 영원한 해석을 할 수 있는 일련의 서사적인 그림을 남긴 후 나폴레옹의 제2 프랑스 제국의 궁정 화가가 되었다. 그림은 손수 왕관을 쓴 나폴레옹이 부인 조세핀에게 왕관을 씌워주기 위해 양손으로 왕관을 높이 들고 있는 모습을 담았다. 이 그림에서 그는 이 황제와 참석한 인물에 대한 상세한 연구를 위해 작업실에 종이 모형과 밀랍 인형을 설치하고 참석자의 의상을 꼼꼼히 소묘해 정확하게 재현하기 위해 많은 노력을 기울였다. 한동안 베르사유 궁전에 전시되어 있던 그림은 루브르 박물관으로 옮겨졌다. 프랑스 역사에 대해 더 많이 알고 싶어 하는 루브르 박물관 방문객들에게 이 그림은 필수적이다. 나폴레옹의 이미지의 고요함과 화려함은 혁명이 시작될 때부터 중요한 사건 중 하나 인 <테니스 코트 서약>에 대한 데이비드의 운동적이고 활동적인 채색 이후 프랑스가 얼마나 변화했는지를 상징한다.

 

16. 미켈란젤로 메리시 다 카라바지오 - 성모의 죽음(Mort de la Vierge)

Caravaggio

1604-1606, 1602, Oil on canvas, 369 cm × 245 cm (145 in × 96 in),  Louvre, Paris

 

로마의 빈민가인 트라스테베레에 위치한 산타마리아 델라 스칼라 교회는 빈민을 위한 성직자의 봉사로 유명한 곳이었다. 새로 건립된

가르멜 수도회 소속 산타 마리아 델라 스칼라(Santa Maria della Scala) 성당에 케루비니 경당을 마련하고 제단 중앙에 걸릴 대형제단화를 카라바조에게 주문했다. 케루비니는 가르멜 수도회의 영성을 담은 <성모의 죽음> 혹은 <성모의 영면> 장면을 그려달라고 조건을 붙였다.

미켈란젤로 메리시 다 카라바지오(Caravaggio 이탈리아어: Michelangelo Merisi da Caravaggio [karaˈvaddʒo], 1573. 9. 29~1610. 7. 18)는 당시의 혁명가였다. <성모의 죽음>을 보면 왜 그런지 알 수 있다. 문제는 카라바죠가 이것을 실제 죽음으로 묘사한 점이다. 이 그림 속의 마리아는 육체의 죽음을 경험했고, 특히 그 육체는 물에 빠져 죽은 임신한 매춘부 - 테베레 강에 빠져 죽은 오르타키오 구역의 매음굴 창녀 - 의 썩어가는 시신으로 그려졌다. 카라바조의 마리아는 강에서 금방 건져 올려진 것처럼, 붉은 드레스 아래로 퉁퉁 불어버린 검푸른 맨다리를 내보이고 침대 위에 숨진 채 누워있다. 결국 이 그림은 교회에 걸리지 않았고, 로마에 체류 중이던 페테르 파울 루벤스(Peter Paul Rubens, 1577-1640)가 명작임을 알아보고 자신의 후원자인 만투바의 공작 빈첸초 곤차가(Vincenzo Gonzaga, 1562-1612)에게 구입을 권유했고, 다시 1627년 영국의 찰스 1세(Charles I, 1600-1649)가 구입하는데, 그가 죽고 나자 뱅커였던 에버하르트 자바흐(Everhard Jabach, 1618-1695)가 1649년 경매에 부친다. 이를 다시 1671년 루이 14세에게 그 소유권이 양도되어 지금은 파리 루브르박물관에 소장되어 있다. 당시의 카라바지오의 가치를 알아보지 못하고 그림을 거절한 산타마리아 델라 스칼라 교회는 카를로 사라체니Carlo Saraceni, 1579~1620)의 작품을 선택했다.

 

15. 안소니 반 다이크 Anthony van Dyck- 영국의 찰스 1 세 Charles I at the Hunt

Charles I at the Hunt  French Title: Le Roi à la chasse,  Anthony van Dyck

c.1635, Oil on canvas, 105cm × 76cm (41in × 30in), Louvre, Paris

 

루브르 박물관의 신성한 홀 중에는 위대한 인물, 왕, 여왕, 황제 및 신의 수많은 묘사가 많이 있습니다. 이 중 가장 위대한 인물 중 하나는 van Dyck의 불운 한 영국의 찰스 1세(1600~1649년)의 초상화다. 이 그림은 통치자 초상화의 새로운 전형을 만들어 냈다. 흔히 통치자 초상화에서 보이는 신분을 과시하기 위한 왕관, 왕홀(지휘봉), 화려한 망토 같은 화려한 의장 따위는 없다. 유일하게 눈길을 끄는 것은 찰스 1세의 시선이다. 다소간 침울하고 나른한 듯한 그의 시선은 누구나 그 앞에서 고개를 숙여야 할 것 같은 고상한 제왕적 시선이다. 하지만 고상과 우울이란 귀족적 이미지가 결합돼 그려진 그는 영국 역사에 손꼽히는 비극적인 죽음을 맞이한 왕이었다. 찰스 1세 초상화의 또 한 가지 특징은 왕을 독립적 대상으로 집중하면서도 혈통 좋은 말과 함께 그림으로서 왕족의 뛰어난 혈통을 지닌 사람이라는 것을 은연중 드러낸다. 거대한 영토와 좋은 혈통은 신이 왕에게만 내리는 특권이라는 왕권신수설을 관람자가 인식할 수 있도록 알려준다. [이진숙의 '그림, 시대를 말하다']

 

14. 장 오귀스트 앵그르(Jean Auguste Ingres), 터키탕 Le Bain turc & 목욕하는 여인 Valpinçon Bather

터키탕 (Le Bain turc) , Jean-Auguste-Dominique Ingres

1852–59, modified in 1862, Oil on canvas glued to wood, 108 cm × 110 cm (42 1/2 in × 43 5/16 in), Musée du Louvre, Paris

목욕하는 여인  The Valpinçon Bather French Title: La Grande Baigneuse

Artiste: Jean-Auguste-Dominique Ingres

1808, Huile sur toile, 146 × 97cm,  Néo-classicisme, musée du Louvre, Paris

 

13. 사랑의 신의 키스로 소생된 프시케 Psyche ranimee par le baiser de lAmour

Artiste: Antonio Canova(안토니오 카노바)

1787-1793, Statue en marbre, 155 × 168  profondeur : 101cm,  Néo-classicisme, Musée du Louvre

 

12. 타니스의 위대한 스핑크스(Great Sphinx of Tanis)​ 

Great Sphinx of Tanis

고대 이집트 중제국(Moyen Empire) 말기, 기원전 1750년경

 

11. 베네치아화가 파올로 베로네세 - 가나안 혼인잔치 The Wedding at Cana

The Marriage at Cana,  Veronese

1563,  Oil on canvas,  666 x 990cm, Musée du Louvre, Paris

 

1562-1563년에 그려진 가나의 혼인잔치는 팔라디오(안드레아 팔라디오(Andrea Palladio, 1508~1580년);베네치아 공화국의 건축가)와 공동 작업이기도 했다. 베네딕토 16세의 수도사들이 베네딕토 16세의 수도회에 의뢰해 베니스 산 마르코(Saint Mark) 맞은편 작은 섬에 있는 산 조르지오 마조레 수도원(San Giorgio Maggiore Monastery) 식당을 위해 제작된 것입니다. 계약서에는 거대한 크기(66 제곱미터)에 물감과 색상의 품질은 최고 품질이어야 한다고 주장했습니다. 예를 들어, 계약서에는 블루스에 귀중한 미네랄 청금석이 포함되어야 한다고 명시되어 있습니다. 계약은 또한 그림에 가능한 많은 숫자를 포함해야 한다고 명시했다. 거의 10ｍ 넓이의 캔버스에 130여 명의 인물과 여러 초상화(티티 안과 틴토레토의 초상화와 Veronese의 자화상 포함)가 등장하고 있습니다. 요한복음 2장 1~11장에서 발췌한 장면은 예수께서 갈릴리 가나에서 열리는 혼인잔치 때 물을 포도주를 바꾸신 첫 번째 기적을 나타낸다. 가장 화려하게 빛나는 피조물 속에 그려진 그림들의 프리즈의 앞쪽 혼인잔치는 테라스, 로마식 일렬로 선 돌기둥, 화려한 하늘로 이어지는 두 개의 계단 아래에서 진행된다.

 

10. THE INTERVENTION OF THE SABINE WOMEN 사비니 여인들의 중재

​French Title: Les Sabines

Artist: Jacques-Louis David 자크 다비드

Year: 1799

Medium: Oil on canvas

Dimensions: 385cm × 522cm (152in × 206in)

Location: Louvre, Paris

 

사비니 여인들의 중재(1799년) – 자크 루이스 데이비드

Jacques-Louis David는 그의 시대의 프랑스 예술가로 널리 여겨지는 신고전주의 프랑스 화가였습니다. 이 작품의 배경은 고대 로마의 건국 역사에 얽힌 이야기이다. 전설에 따르면 로마가 창립된 직후 로마인들은 아내를 찾아 가족을 시작했지만 주변 지역에 거주하는 사빈 족과 협상에 실패했다. 그들은 사비니 여인들의 강간 / 납치로 알려진 에피소드인 젊은 여성의 대량 납치를 저질렀습니다. 15세기 이후 미술에서 흔히 볼 수 있는 사건이었다. 이 그림에서 데이비드는 이 격렬한 전쟁 속에서 양 군대를 중재한 사람들은 다름 아닌 로마에 살고 있던 사비니의 여인들이었다. 그녀들은 모두 사비니인의 딸인 동시에 로마인의 아내였기 때문이었다. 그것에서, 로물루스(Romulus)의 아내 및 사비니군의 지도자인 타티우스(Tatius)의 딸이자 로마 건국의 왕 로물루스와 결혼한 헤르실리아(Hersilia)는 그녀의 아버지와 그녀의 남편 사이에서 그녀의 아이들을 전쟁 지도자 사이에 배치하는 것을 중재한다. 사비니 여인들의 중재는 프랑스혁명의 유혈 사태 이후 갈등에 우세한 사랑의 아이디어를 제시하면서 만들어진 시간과도 관련이 있습니다.

 

9. DYING SLAVE 죽어가는 노예

​French Title: L’Esclave mourant

Artist: Michelangelo

Year: 1516

 

죽어가는 노예(1516년) – 대리석, 높이 229cm. 율리우스 2세 무덤, 현재 루브르 미켈란젤로

죽어가는 노예는 반란군 노예라는 제목의 미켈란젤로 동상과 함께 1513년 5월 교황 율리우스 2세의 무덤을 위한 계획의 일환으로 그에게 위임받았다. 그러나 동상은 최종 계획의 일부가 아니므로 의도된 목적을 수행하지 못했다. 미켈란젤로가 1544년에서 1546년 사이에 병에 걸렸을 때 그는 로마에 거주하는 동료 플로렌타인인 로베르토 스트로지의 집에 머물렀다. Strozzi의 관대한 환대에 감사하면서 Michelangelo는 이 두 조각품을 Strozzi에게 선물했습니다. 그가 이탈리아에서 추방되었을 때, 스트로지는 두 조각품을 프랑스로 가져갔다. 결국 1793년 프랑스 국립 컬렉션의 일부가 되었다. 리차드 플라이를 비롯한 몇몇 예술 전문가들은 죽어가는 노예가 몸이 생명이 없는 형태가 되기 위해 모든 활력을 잃어버리는 죽음의 순간을 묘사한다고 믿는다. 하지만 다른 이들은 이 해석을 거부하며 다른 의미를 부여한다.

 

 

 

 

8. La GRANDE ODALISQUE 그랑드 오달리스크

French Title: L’Esclave mourant,  Jean-Auguste-Dominique Ingres

1814, Oil on canvas, 88.9 cm × 162.56 cm (35 in × 64 in), Louvre, Paris

 

그란데 오달리스크(1814) – 장 오귀스트 도미니크 잉그레스

잉그레스는 19세기 프랑스 화가로 초상화로 가장 유명하다. "odalisque"라는 단어는 형식상 프랑스어이며 "챔버 메이드"를 의미하는 터키 오달크에서 유래했습니다. 일반적으로 노예나 매춘부를 나타내는 데 쓰인다. 그란데 오달 리스크는 나폴레옹의 여동생인 나폴리의 캐롤라인 무라트 여왕이 의뢰했다. 이 그림은 티티안의 우르비노 비너스와 같은 초기 누드에서 영감을 얻은듯하다. 그러나 그들과 달리 오달리스크는 비현실적으로 긴 비율을 가지고 있으며 해부학적으로 정확하지 않다. 연구에 따르면 이 그림은 척추의 곡률과 골반의 회전이 불가능하다는 것을 보여준다. 게다가 왼손은 오른손보다 짧다. 해부학적 이상증으로 비판받은 초기의 Grande Odalisque는 이제 이상 현상이 자연에서 상징적이라고 믿는 사람들과 같은 이유로 유명하다. 예를 들어 첩(소실)의 골반 부위는 술탄의 육욕을 만족시키는 데 주로 사용된다는 것을 보여주기 위해 의도적으로 길어졌다고 여겨진다.

 

7. THE DEATH OF SARDANAPALUS 사르다나팔루스의 죽음

​French Title: La Mort de Sardanapale ,  Eugène Delacroix

1827, Oil on canvas, 392 cm × 496 cm (154 in × 195 in) and 73.71 cm × 82.47 cm (29.02 in × 32.47 in), Louvre, Paris and Philadelphia Museum of Art, Paris and Philadelphia

 

사르다나팔루스의 죽음(1827년) – 외젠 들라크루아

Eugene Delacroi x는 19세기 프랑스 낭만주의 시대의 선도적인 예술가였으며 그는 당시의 가장 위대한 프랑스 화가로 간주됩니다. 사르다나 팔루스는 그리스 작가인 Ctesias에 따르면 아시리아의 마지막 왕이었다. 이것은 사실이 아니며 실제로 알려진 아시리아 왕과 사다나팔루스의 유사성은 거의 없다는 것을 언급해야 한다. 어쨌든, Sardanapalus는 파괴의 난폭에서 죽는 자기 방종한 왕으로 묘사됩니다. 그의 죽음을 묘사한 이 그림은 낭만주의 문학과 예술의 주제가 되었다. 이 주제에 관한 가장 잘 알려진 작품 중 하나이자 예술가의 작품 중 하나인 "사르다나팔루스의 죽음"은 무관심한 눈으로, 고어와 과잉의 장례용 장작더미에서 그의 모든 소유물을 파괴하는 것을 감독하는 왕을 묘사하고 있다. 무엇보다도, 그것은 사진 속의 남성들의 손에 의해 죽음에 맞서 싸우고 있는 다양한 정도의 옷을 입은 많은 여성들을 묘사한다. 풍부한 색상과 넓은 붓놀림 외에도 이 그림은 신고전주의 전통에 도전한 초기 낭만주의 작품으로 유명하다.

 

6. WINGED VICTORY OF SAMOTHRACE 사모트라케의 니케

​French Title: Victoire de Samothrace,  nknown

c. 200-190 BC, Parian marble, 244 cm (96 in), Louvre, Paris

 

승리의 여신; 니케(Nike of Samothrace, 2세기 BC)

대리석 헬레니즘 동상인 사모트가스의 니케(승리의 날개 혹은 니케 상)는 루브르 박물관의 주요 명소에 전시된 세계에서 가장 유명한 조각품 중 하나이다. 그리스의 승리의 여신 니케에게 바쳐진 것이다. 사모 트레이스는 에게 해 북부의 그리스 섬이며 동상은 대신의 성역으로도 알려진 사모트라스 사원 단지의 일부였다. 하늘에서 승리하는 함대로 내려온 승리의 여신을 상징한다. 조각품의 머리와 팔도 원형을 찾지 못하고 잃어버렸다. 니케의 오른팔이 들어 올려져 승리의 외침을 전달하기 위해 입 주위에 감긴 것으로 믿어진다. 린도스의 피토크리토스가 이 작품을 만든 조각가였다는 것도 제안되었다. 동상을 통해 축하되는 어떤 사건은 기원전 306년 살라미스 전투에서 기원전 31년 액티움 전투에 이르기까지 여러 가지 제안으로 추측의 문제로 남아 있다. 승리의 여신; 니케는 저명한 미술 사학자 H. W. Janson에 의해 "헬레니즘 조각의 가장 위대한 걸작"이라고 불려 왔다.

 

5. OATH OF THE HORATII 호라티우스 형제의 맹세

​French Title: Le Serment des Horaces ,  Jacques-Louis David 자크루이 다비드

1784,  Oil on canvas, 329.8 cm × 424.8 cm (129.8 in × 167.2 in), Louvre, Paris

 

호라티우스 형제의 맹세(1784년) – 자크 루이 다비드

이 큰 그림은 로마의 전설에서 나온 장면을 나타낸다. 그것에 따르면, 로마와 알바 롱가의 두 전쟁 도시가 분쟁을 해결하기 위해 각각 삼 형제를 내보내 결투를 벌이게 한 후, 그 결과에 무조건 승복하자고 합의를 보았다. 로마에서 온 세 사람은 호라티족이라고 알려진 가문의 형제들이다. 그림에서 세 형제는 칼을 들고 있는 아버지를 경의를 표합니다. 오직 한 형제 만이 결투에서 살아남아 알바 롱가의 퀴리아 티 가족으로부터 세 형제를 죽일 것입니다. 그림의 오른쪽 구석에 있는 데이비드는 카밀라를 대표한다. 그녀는 호라티우스 형제의 여동생이다. 게다가 그녀는 쿠리아티우스 형제 중 한 명과 약혼한 사이라고 한다. 카밀라는 누가 이기든 사랑하는 사람을 잃을 것이기 때문에 울고 있는 것이다. 이 작품은 애국심과 국가를 위한 희생이라는 주제를 중심으로 전개된다. 호라티우스의 선서는 즉시 높은 평가를 받았으며 그 이후로 신고전주의 스타일의 가장 유명한 그림 중 하나가 되었다.

 

4. THE RAFT OF THE MEDUSA 메두사호의 뗏목

French Title: Le Radeau de La Méduse ,  Théodore Géricault 테오도르 제리코, 1791~1824

1818-1819, Oil on canvas, 490 cm × 716 cm (16 ft 1 in × 23 ft 6 in). Louvre, Paris

 

메두사호의 뗏목(1819년) – 테오도르 제리코

메두세는 나폴레옹 전쟁에서 싸운 프랑스 군함이었다. 전투는 살아남았지만 11816년 7월 2일 프랑스의 식민지인 세네갈로 향하던 군함의 이름으로 선장의 무능력과 부도덕성으로 아프리카 서부 해안에서 침몰한다. 탑승한 400명은 대피해야 했다. 그중 151명이 뗏목에 실렸다. 뗏목에 탄 이 사람들은 끔찍한 시련을 겪어야 했다. 많은 사람들이 폭풍에 의해 바다로 씻겨 나갔다. 다른 사람들은 반역하고 장교들에 의해 살해되었다. 생존자들은 식인행위 등의 악몽 같은 시간을 보낸다. 보급품이 부족할 때 부상당한 사람들은 바다에 던져졌다. 바다에서 악몽 같은 공포의 13일 후에 구조될 때는 단지 15명만 구조될 수 있었고 5명은 구조 직후 사망하였기 때문에 그것도 10명만 구조된 것이다. 이 사건은 국제적인 스캔들이 되었다. 테오도르 제리코는 이 걸작을 만들기 전에 이 사건을 철저히 연구했다. 메두사의 뗏목은 프랑스 예술에 큰 영향을 미쳤다. 메두사호의 뗏목은 프랑스 낭만주의의 상징적인 작품이 되었고 그 당시의 이 사건의 중요성과 정치적 영향으로 인해 센세이션을 일으킨다

 

3. LIBERTY LEADING THE PEOPLE 민중을 이끄는 자유의 여신

​French Title: La Liberté guidant le peuple,  Eugène Delacroix

1830, Oil on canvas, 260 cm × 325 cm (102.4 in × 128.0 in), Louvre, Paris

 

민중을 이끄는 자유의 여신(1830년) – 외젠 들라크루아

자유는 많은 문화권에서 여신으로 존재했으며 프랑스혁명 기간 동안 프랑스에서 '자유'의 우화적 의인화가 많이 나타났다. 그 이후 자유의 형상은 프랑스와 프랑스 공화국의 상징으로 간주된다. 이 그림은 프랑스의 찰스 X 왕이 전복된 1830년 7월 혁명을 기념한다. 자유는 여신이자 국민의 강건한 여성임을 보여준다. 한 손에는 프랑스 국기를, 다른 손에는 총기를 들고 있다. 자유가 사람들을 이끄는 것은 대단히 영향력 있는 예술 작품이다. 무엇보다도 자유의 여신상과 빅토르 위고의 유명한 소설인 레 미제라블에 대한 영감의 원천이 되었다. 그 창조 이후, 이 그림은 또한 공화당과 반 군주 주의자 심보로도 활동했다. 프랑스 낭만주의 화가인 Liberty Leading the People의 걸작은 낭만주의 운동의 가장 유명한 그림 목록에서 1위를 차지했다. 또한 루브르 박물관의 프랑스 화가가 그린 가장 유명한 그림이다.

 

2. VENUS DE MILO 밀로의 비너스

​Artist : probably Alexandros of Antioch

Between 130 BCE and 100 BC, Marble, 203 cm (80 in), Louvre, Paris

 

밀로의 비너스 - 안티오크의 알렉산드로스의 동상

밀로의 비너스는 1820년 4월 8일 요르고스 켄트로타스라는 농부에 의해 발견되었다. 그는 에게 해의 그리스 섬인 밀로스에서 조각으로 발견되었다. 조각품은 프랑스의 루이 18세에게 헌납되었으며, 그 후 루브르 박물관에 기증되어 오늘날까지 전시되고 있다. Milos의 아프로디테라고도 알려진 Venus de Milo는 사랑, 아름다움, 즐거움 및 출산의 고대 그리스 여신인 아프로디테를 대표하는 것으로 생각된다. 아프로디테의 상대인 로마 여신은 비너스였다. 이 동상은 헬레니즘 시대의 조각가인 안디옥의 알렉산드로스에 의해 조각된 것으로 믿어진다. 잃어버린 팔에 대해 많이 논의된 신비 외에도, 그것은 원래 팔찌, 귀걸이 및 머리띠를 포함한 보석으로 장식되었습니다. 하지만 이 모든 것들은 오랫동안 잃어버렸다. Venus de Milo는 고대 그리스 조각품 중에서 가장 유명한 작품일 것이다. 그것은 대중문화에서 널리 언급되어 왔으며 살바도르 달리를 포함한 현대 예술가들에게 큰 영향을 미쳤습니다. 루브르 박물관에서 가장 유명한 조각품이다.

 

1. MONA LISA 모나 리자

​Artist: Leonardo da Vinci

1517, Oil on canvas, 53 x 77 cm, Louvre, Paris

 

모나리자(1517년) – 레오나르도 다 빈치

모나리자는 "가장 잘 알려져 있고, 가장 많이 방문하고, 가장 많이 쓰이고, 가장 많이 노래되고, 세계에서 가장 많이 패러디된 예술 작품"으로 호평을 받고 있다. 특히 그 명성은 여성의 얼굴에 떠오른 애매한 미소에 있다. 그래서 그것은 "라 조콘다(La Gioconda)" 또는 웃는 얼굴로도 알려져 있다. 초기 전기 작가의 설명에 따르면 이 그림은 상인의 실제 아내인 차노비 델 조콘도(Zanobi del Giocondo)의 아름다운 아내를 그린 초상이다. 이 작품은 희미하게 미소 짓고 있는 여인을 그린 초상으로. 스푸마토'(sfumato) 기법을 사용하여 엷은 안개가 덮인 듯한 효과를 주고 있다. 다빈치에게 모나리자는 완벽을 위한 그의 시도였기 때문에 영원히 진행 중인 작품이었다. 그 그림은 결코 의뢰인에게 전달되지 않았다. 그는 그의 인생이 끝날 때까지 그와 함께 유지했다. 기네스 세계 기록에는 모나리자가 역사상 가장 높은 보험 가치를 지닌 것으로 기록되어 있다. 1962년 12월 14일 1억 달러로 평가되었는데, 인플레이션을 조정한 후 오늘날 약 7억 5천9백만 달러가 될 것이다. 세계에서 가장 잘 알려진 그림인 모나리자는 루브르 박물관에서 가장 유명한 작품이다.

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[출처ㅣwikipedia]