예술사의 기초는 고대 문명이 문화적으로 중요한 주제를 묘사하기 위해 이용 가능한 기술과 매체를 사용했던 시대로 거슬러 올라갈 수 있다. 이러한 초기 사례들 이후, 많은 예술 운동이 뒤따랐고, 각각은 그들이 출현한 시기의 정치적, 사회적 영향을 반영하는 그들만의 독특한 스타일과 특징을 지니고 있었다.
르네상스 시대부터 모더니즘의 도래에 이르기까지 영향력 있는 예술 장르들이 의심할 여지 없이 역사에 이름을 남겼다. 뱅크시(Banksy, 1974~ ) 케리 제임스 마샬(Kerry James Marshall, 1955~ ), 미칼린 토마스(Mickalene Thomas, 1971~ ) 케힌데 와일리(Kehinde Wiley, 1977~ ) 같은 많은 예술가들이 현대 작품에 예술사적 언급들을 일관되게 주입하고 있는 가운데, 각 시기의 역사적 맥락과 중요성을 이해하는 것은 수집가나 미술 애호가 모두에게 매우 중요하다. 아래는 서양 미술사의 각 주요 시대의 특성, 선도적 공헌자, 그리고 중요한 영향을 탐구하는 종합 미술 운동 타임 라인이다.
선사 시대 예술 Prehistoric Art (~40,000–4,000 B.C.)
Lascaux 동굴 벽화, 신석기 시대, Image via Wikimedia Commons.
미술사의 기원은 기록들이 보관되기 전인 선사 시대로 거슬러 올라갈 수 있다. 가장 초기의 공예품은 구석기 시대, 즉 옛 석기 시대로부터 암각, 판화, 화보, 조각, 석기 배열의 형태로 나온다.
이 시기의 예술은 한 문명의 존재를 지배하는 사물, 동물, 의식의 표현을 창조하기 위해 천연 색소와 석조 조각의 사용에 의존했다. 가장 유명한 예 중 하나는 프랑스 중부의 조그만 마을 몽띠냑 Montignac 남쪽 언덕에 자리잡은 라스코Lascaux 동굴에서 발견된 구석기 시대의 동굴 벽화이다. 1940년에 발견되었지만, 그들은 2만년 전으로 추정되며 이 지역에서 온 큰 동물과 식물을 묘사하고 있다.
고대 예술 (기원전 4000 년 – AD 400 년) Ancient Art (4,000 B.C.–A.D. 400)
Mesopotamia, 함무라비 법전 Code of Hammurabi, 1754 B.C.
고대 예술은 진보된 문명에 의해 만들어졌으며, 이 경우에는 문체가 확립된 사람들을 지칭합니다. 이 문명에는 메소포타미아, 이집트, 그리스 및 아메리카 대륙이 포함되었다.
이 시기의 예술 작품의 매체는 그것을 만들어 낸 문명에 따라 다르지만 대부분의 예술은 이야기를 하거나 그릇과 무기와 같은 실용적 물건을 장식하고 종교적, 상징적 이미지를 보여주고 사회적 지위를 나타내는 비슷한 목적을 가지고 있었다. 많은 작품은 통치자, 신, 여신들의 이야기를 묘사한다.
고대 메소포타미아에서 가장 유명한 작품 중 하나는 함무라비 법전이다. 기원전 1792년경에 만들어진 이 작품은 바빌로니아의 여섯 번째 왕 함무라비우스 King Hammurabi와 메소포타미아의 신 샤바쉬 Shabash의 이미지로 장식된 바빌로니아 법전을 돌에 새긴 것이다.
메소포타미아 미술
- 수메르 왕국 ( ~ BC 20세기)
- 아시리아 왕조 ( BC 12세기 ~ BC 6세기 )
이집트 미술 (BC 30세기~ BC 4세기)
- 초기 왕조 시대
- 고왕국 시대
- 중왕국 시대
- 신왕국 시대
- 후기 왕조 시대
그리스 미술 (BC 17세기 ~ BC 1세기)
- 청동기 (크레타-미노아)
- 청동기 (그리스-미케네)
- 고졸기
- 고전 시대
- 헬레니즘 시대 (BC 4세기~BC 1세기)
중세 예술 Medieval Art (500–1400)
Simone Martini and Lippo Memmi, The Annunciation with St. Margaret and St. Ansanus, 1333, Tempera and gold on panel,
305 × 265 cm (120 in × 104 in), Uffizi Gallery, Florence
중세 시대는 종종 "암흑시대"라고도 불리며, AD 476 로마 로마 제국의 몰락 이후 경제 및 문화 악화의 시기를 말한다. 이 시기에 제작된 예술품은 괴상한 이미지와 잔인한 풍경으로 특징지어지는 어둠을 반영한다. 이 시기에 제작된 예술은 교회를 중심으로 이루어졌다. 첫 천년이 지남에 따라 더욱 정성을 들여 정교하게 장식된 교회가 등장했다. 창문과 실루엣은 고전적인 신화의 장면과 성경적 주제 장면으로 장식되었다.
이 시기는 또한 채색된 원고와 고딕 건축 양식의 출현에 책임이 있다. 이시기의 영향력있는 예술의 예에는 로마의 '지하 묘지(catacomb)', 이스탄불의 '아야 소피아(Hagia Sophia)', 조명 된 원고의 가장 유명한 예 중 하나 인 '린디스판 복음서(Lindisfarne Gospels)', 파리 대성당이자 고딕 양식의 유명한 예인 노트르담 대성당(프랑스어: Cathédrale Notre-Dame de Paris 카테드랄 노트르담 드 파리, 영어: Notre-Dame de Paris 또는 Notre-Dame Cathedral, 2019년 4월 15일 화재로 지붕이 완전히 붕괴되고 고딕 양식의 첨탑이 불에 타 무너졌다) 이 있다.
로마 미술
- 로마제국 (BC 1세기~5세기) : 로마 건국은 BC 7세기
- 비잔틴 제국 (5세기~15세기) : 동로마제국 건국은 4세기
중세 유럽
- 카롤링거 왕조 (9세기~10세기)
- 로마네스크(노르만) 미술 (11세기~12세기)
- 고딕 미술 (12세기~15세기)
현대 유럽과 아메리카
르네상스 (14세기~16세기, Renaissance Art 1400–1600)
Raffaello Sanzio da Urbin, 아테네 학당 The School of Athens, 1511. Image via Wikimedia Commons.
이러한 회화, 조각, 장식미술의 스타일은 인간을 독립적이고 자주적으로 생각하는 자연과 개인주의에 초점을 맞춘 것이 특징이다. 이러한 이상은 중세 말기에 존재했지만, 15세기와 16세기에 번성하여 세속화와 같은 사회적, 경제적 변화에 버금간다.
르네상스는 이탈리아의 피렌체에서 절정에 달했는데, 그 이유는 예술과 휴머니즘을 확고히 지지한 부유한 상인 집안인 메디치가 인간 영역을 강조하는 다양한 믿음과 철학 때문이었다. 이탈리아 디자이너 필리포 브루넬레스키(Filippo Brunelleschi)와 조각가 도나텔로(Donatello)는 이 기간 동안 주요 혁신가였다.
1490년에서 1527년까지 지속된 하이 르네상스는 다빈치, 미켈란젤로, 라파엘과 같은 영향력 있는 예술가들을 만들어 냈으며, 이들은 각각 창조적인 힘을 가져오고 감정 표현의 이상을 이끌었다. 르네상스 시대의 예술작품은 사실주의, 세세한 것에 대한 주의, 그리고 인간 해부학에 대한 정밀한 연구로 특징지어졌다. 예술가들은 강렬한 조명과 음영을 통해 선형 원근법을 사용하였고 깊이를 창조하였다. 예술은 기독교 신앙과 휴머니즘 사이의 충돌이 매너리즘에 자리를 내주던 르네상스 직후부터 문체적으로 변하기 시작했다.
• 마사치오 • 레오나르도 다 빈치 • 미켈란젤로 • 조르조네(지오르지오네) • 티티안(티치아노) • 조르지오 바사리 • 라파엘로 • 안토니오 코레지오 • 한스 홀베인 • 알브레히트 뒤러 • 마티아스 그뤼네발트 • 히에로니무스 보슈 • 안니발 카라치 • 라비니아 폰타나 • 대 피테르 브뢰겔
매너리즘(16세기~17세기, Mannerism 1527–1580)
Angelo Bronzino - Venus, Cupid, Folly and Time, c. 1545, Oil on wood, 146.1 × 116.2 cm, National Gallery, London.jpg
매너니스트 예술가들은 미켈란젤로, 라파엘 및 다른 후기 르네상스 예술가들의 이상에서 나왔지만, 스타일과 기술에 중점을 둔 것은 주제의 의미를 능가했다. 종종 인물은 우아하고 길쭉한 팔다리, 작은 머리, 양식화된 특징 및 과장된 세부 사항을 가졌다. 이로 인해 르네상스 전신이 사용했던 조화로운 구성과 선형적 관점의 고전적 이상에 의존하기보다는 보다 복잡하고 양식화 된 구성이 만들어졌다.
가장 유명한 매너니스트 예술가로는 조르지오 바사리Giorgio Vasari , 프란체스코 살비아티Francesco Salviati, 도메니코 베카푸미Domenico Beccafumi 및 브론지노Bronzino가 있다. 그는 피렌체에서 가장 중요한 매너리스트 화가로 널리 알려져 있다.
• 브론치노 • 엘 그레코
바로크(17세기~18세기 초, Baroque 1600–1750)
Caravaggio, 성 마태의 소명 The Calling of Saint Matthew, circa 1599-1600. Image via Wikimedia Commons.
매너리즘 이후의 바로크 시대는 화려하고 최고 수준의 시각 예술과 건축물을 만들어 냈다. 그것은 인간의 지능과 세계적 발견을 넓히는 것에 대한 관심으로 인해 웅장하고 풍요로워졌다. 바로크 예술가들은 양식상으로 복잡했다.
바로크 그림은 이탈리아 화가 Caravaggio와 네덜란드 화가 렘브란트의 상징적인 작품에서 볼 수 있듯이 극적인 사건으로 특징 지워졌다. 화가들은 빛과 어두운 색의 강렬한 대비를 사용했으며 풍부한 색상 팔레트와 어우러지는 활기찬 구성을 가기고 있었다.
• 카라바조 • 디에고 벨라스케 • 피터르 파우얼 루번스 • 렘브란트 • 아르테미시아 젠틸레스키 • 귀도 레니
로코코(18세기~19세기, Rococo (1699–1780)
Antoine Watteau, Cythera 1717 출범 The Embarkation for Cythera 1717. Image via Wikimedia Commons.
로코코는 파리에서 시작되어 장식 예술, 회화, 건축 및 조각을 포함한다. 그 미학은 바로크의 화려함에 비해 더 부드러운 스타일의 장식 예술을 제공했다. 로코코는 자연 형태, 비대칭 디자인 및 은은한 색상의 사용에 중점을 둔 경쾌함과 우아함이 특징이다.
앙투안 와트토와 프랑수아 바우처와 같은 화가들은 가벼운 치료법, 풍부한 붓놀림, 신선한 색을 사용했다. 로코코 양식은 은, 도자기, 프랑스 가구로 쉽게 번역된다. 많은 의자와 장식장의 커브 형태, 꽃무늬 디자인 및 금박 표현의 표현적 사용을 특징으로 했다.
• 시메옹 샤르댕 • 장앙두안 와토 • 장밥티스트 샤르댕 • 장오노레 프라고나르 • 엘리자베스 루이 비제르 브룬
신고전주의(新古典主義 18세기~19세기, Neo-classicism (1750–1850)
Jacques-Louis David, 1801 년 나폴레옹 알프스를 건너다 Napoleon Crossing the Alps, 1801. Image via Wikimedia Commons.
그 이름에서 알 수 있듯이 신고전주의 시대는 고전 유물에서 나온 요소를 사용했습니다. 당시 발견된 아테네와 나폴리의 고대 문명의 고고 학적 유적은 과거의 모든 것에 대한 열정을 재촉하고 예술가들은 고대 예술의 위대한 작품을 재현하기 위해 노력했다. 이것은 조화, 단순성 및 비례의 고전적 이상에 대한 새로운 관심으로 전환되었다.
신고전주의 예술가들은 고전적 요소에 의해 영향을 받았다. 특히 이상주의에 중점을 둔다. 필연적으로 그들은 현대적이고 역사적으로 관련된 작품을 작품에 포함시켰다. 예를 들어, 이탈리아 조각가인 안토니오 카노바Antonio Canova는 대리석 조각에서 고전적인 요소를 그렸지만 초기의 많은 작품에서 나타나는 차가운 인공성을 피했다.
• 자크 루이 다비드 • 안토니오 카노바 • 도미니크 앵그르
낭만주의(浪漫主義 18세기~19세기, Romanticism (1780–1850)
William Blake, The Ancient of Days, 1794, Relief etching with watercolor, 23.3 x 16.8 cm, British Museum, London
낭만주의는 그림에서 음악, 문학에 이르기까지 광범위한 학문을 구현한다. 이러한 각 예술 형태에 존재하는 이상은 고전 예술과 신고전주의 모두에서 받아들여지는 질서, 조화 및 합리성을 거부한다. 대신, 낭만주의 예술가들은 개인과 상상력을 강조했다. 또 다른 로맨틱한 이상적 정의는 자연에 대한 감사였다. 많은 사람들이 애원하는 공기 그림으로 눈을 돌렸으며(외광파: 햇빛에 비추어진 자연의 색채를 직접 묘사하고자 옥외에서 제작하는 화파를 통틀어 이르는 말), 그로 인해 화가들은 어두운 실내에서 나와 밖에서 그림을 그릴 수 있었다. 예술가들은 또한 지성과 이성에 대한 열정, 감정, 감각에 초점을 맞췄다.
저명한 낭만주의 화가에는 인간 심리학의 어두운 구석을 탐험 한 이상하고 무시 무시한 그림을 만든 헨리 푸즐리Henry Fuseli와 신비한 시와 이미지가 신비로운 비전과 사회적 제약에 대한 실망감을 전한 윌리엄 블레이크William Blake가 있다.
• 프란시스코 고야 • 외젠 들라크루아 • 윌리엄 블레이크 • 테오도로 제리코
- 아카데미 예술 (19세기)
• 윌리엄 부게로
사실주의 (寫實主義 19세기, Realism (1848–1900)
Jean-François Millet, The Gleaners, 1857. Oil on canvas, 83.8 × 111.8 cm, Musée d'Orsay, Paris, Image via Wikimedia Commons.
아마도 최초의 현대 미술 운동인 리얼리즘은 1840년대 프랑스에서 시작되었다. 사실주의(寫實主義)는 여러 사건의 결과, 즉 독일의 반 로마 틱 운동, 저널리즘의 부상, 사진의 출현의 결과였다. 각각은 일상생활을 정확하게 포착하는 데 새로운 관심을 불러일으켰다. 정확성에 대한 이러한 관심은 운동 중에 제작된 예술에서 분명하게 드러나며, 주제의 세부적이고 실물 같은 묘사를 특징으로 한다.
현실주의 운동의 가장 영향력 있는 지도자 중 하나는 프랑스 예술가 구스타브 쿠르베 (Gustave Courbet)인데, 그는 물리적으로 볼 수 있는 것만 그림으로 그리는 데 헌신했다.
•귀스타브 쿠르베
- 바르비종 (19세기)
• 카미유 코로 • 장 프랑수아 밀레
- 라파엘전파 (19세기)
• 단테 가브리엘 로세티 • 존 에버렛 밀레이
- 상징주의(象徵主義 19세기~20세기 초)
아르 누보 Art Nouveau (1890–1910)
Poster for an evening of theater honoring Sarah Bernhardt (1896). Image via Wikimedia Commons.
"New Art"로 번역된 Art Nouveau는 그 이전의 스타일을 모방하지 않고 완전히 진정한 운동을 만들려고 시도했다. 이 운동은 응용 예술, 그래픽 및 일러스트레이션에 큰 영향을 미쳤다. 길고 매끄러운 선과 곡선이 특징인 자연계에 초점을 맞추었다.
영향력 있는 아르누보 예술가들은 건축, 그래픽 및 인테리어 디자인, 보석 제작 및 그림을 포함한 다양한 미디어에서 일했다. 체코슬로바키아 그래픽 디자이너 알폰스 무하 Alphonse Mucha는 프랑스 여배우 사라 번 하르트의 연극 포스터로 가장 잘 알려져 있다. 스페인 건축가이자 조각가 인 안토니 가우디(Antonio Gaudi)는 바르셀로나의 바실리카 데 라 사그라다 파밀리아(Barsilica de la Sagrada Familia)와 같은 곡선 형의 밝은 색상의 건축물을 만들기 위해 선에 주력했다.
•귀스타브 모로 • 구스타브 클림트 • 에드바르드 뭉크
인상주의(印象主義 19세기~20세기 초, Impressionism, 1865–1885)
Claude Monet, Impression, soleil levant, 1872, Oil on canvas, 48 × 63cm, Musée Marmottan Monet, Paris, Wikimedia Commons.
인상파 화가들은 특정한 순간에 대한 즉각적인 인상을 포착하기 위해 노력했다. 이것은 짧고 빠른 붓놀림과 미완성의 몽타주 같은 느낌으로 특징지어졌다. 인상주의 예술가들은 현대 생활을 그들의 주제로 삼아 역사적이고 신화적인 사건보다는 무용실이나 정박한 요트 같은 상황을 그렸다.
자연보다 먼저 자신의 인식을 표현하는 데 앞장섰던 프랑스의 예술가 클로드 모네는 인상주의 운동과 사실상 동의어다. 그의 눈에 띄는 작품으로는 《물 릴리 연못 The Water Lily Pond》(1899), 《파라솔이 있는 여인 Woman with a Parasol》(1875), 《인상 Impression》(1872), 《선라이즈 Sunrise》(1872년) 등이 있는데, 이 작품에서 이 운동의 명칭 자체가 유래되었다.
• 폴 세잔 • 카미유 피사로 • 폴 고갱 • 빈센트 반 고흐 • 피에르오귀스트 르누아르 • 에드가 드가 • 에두아르 마네 • 클로드 모네 • 툴루즈 로트렉 • 메리 카사트 • 베르트 모리조
후기 인상주의(後期印象主義 Post-Impressionism, 1885–1910)
후기 인상파 화가들은 집단으로 활동하기보다는 독립적으로 활동했지만 영향력 있는 후기 인상파 화가들은 저마다 비슷한 이상을 가지고 있었다. 그들은 외부 세계에 대한 관찰보다는 주관적인 비전과 상징적인 개인적 의미에 집중했다. 이것은 종종 추상적인 형태를 통해 달성되었다.
후기 인상파 화가로는 작고 뚜렷한 점을 이용해 이미지를 형성한 점묘술로 유명한 조르주 쇠라 Georges Seurat가 있다. 빈센트 반 고흐 Vincent van Gogh는 후기 인상파 화가로서 그의 작품을 통해 종종 거친 붓놀림과 어두운 색조를 통해 개인적인 표현을 찾고 있다.
포비즘(야수파 野獸派, 19세기 말~20세기 초, Fauvism (1900–1935)
Henri Matisse, 모자를 쓴 여성 Woman With a Hat, 1905. Image via Wikimedia Commons.
Henri Matisse가 이끄는 Fauvism은 Vincent van Gogh와 George Seurat의 사례를 바탕으로 구축되었습니다. 20세기 최초의 아방가르드 무브먼트 인이 스타일은 강렬한 색상, 선 및 브러시 작업, 대담한 표면 디자인 및 평평한 구성의 표현적 사용을 특징으로 했다.
마티스의 많은 작품들에서 볼 수 있듯이, 묘사적이고 표현적인 목적에서 색을 분리하는 것이 이 운동의 핵심 요소 중 하나였다. 야수주의는 입체파와 표현주의의 중요한 선구자였다.
• 마티스 • 바실리 칸딘스키
표현주의(表現主義, Expressionism, 1905–1920)
Edvard Munch, 인생의 춤 The Dance of Life, 1899. Oil on canvas, 125 x 191cm, National Museum of Art, Norway. Wikimedia Commons.
표현주의(表現主義)는 갈수록 갈등하는 세계관과 영성의 상실에 대한 반응으로 등장했다. 표현주의 예술은 형태와 왜곡된 색의 왜곡을 사용하여 불안과 생생한 감정을 표현하는 작가 내에서 이끌어 내고자 했다. 진정성을 추구하기 위해 표현주의 화가들은 서양의 예술을 넘어 영감을 찾고 민족 민속 박물관을 자주 방문하여 원주민 민속 전통과 부족 예술을 다시 방문했다.
표현주의의 뿌리는 Vincent van Gogh, Edvard Munch 및 James Ensor로 추적될 수 있다. Die Brücke (The Bridge)와 Der Blaue Reiter (The Blue Rider)를 포함한 저명한 그룹들이 예술가들이 작품을 출판하고 그들의 이상을 집단적으로 표현할 수 있도록 구성되었다.
큐비즘(입체주의 立體主義, 19세기 말 ~ 20세기 초, Cubism (1907–1914)
바이올린과 팔레트 Violin and Palette, Georges Braque, 1909. Image via Wikimedia Commons.
입체파는 미술이 자연을 복사해야 한다는 개념을 거부한 파블로 피카소Pablo Picasso와 조르주 브라크Georges Braque에 의해 설립되었다. 그들은 전통적인 기술과 관점에서 멀어졌다. 대신, 추상화를 통해 근본적으로 조각난 객체를 만들었다. 많은 입체파 화가들의 작품은 평평한 2차원 표면, 기하학적 형태 또는 물체의 “큐브” 및 “복수의 점” 으로 표시된다. 종종 그들의 주제는 식별할 수 없었다.
• 조르즈 브라크 • 파블로 피카소
다다이즘 (20세기 중후반에서 오늘날까지)
• 마르셀 뒤샹
초현실주의(超現實主義 19세기 말에서 오늘날까지, Surrealism (1916–1950)
René Magritte, The Son of Man, 1964. Image via Wikipedia.
초현실주의(超現實主義) 또는 쉬르레알리슴(프랑스어: Surrealism)는 1916년 다다 예술 운동에서 나왔으며 , 이성에 반하는 예술 작품을 선보였다. 초현실주의 자들은 합리주의적 사고방식을 비난했다. 그들은 1차 세계 대전과 같은 사건에 대해 이 사고 과정을 비난했으며 상상력을 상실하게 한다고 믿었다. 초현실주의 자들은 정신 분석과 상상력을 탐구한 Sigmund Freud가 개발한 Karl Marx 이론의 영향을 받았다.
살바도르 달리와 같은 영향력 있는 초현실주의 예술가들은 거리와 일상생활에서 발견되는 계시를 묘사하기 위해 무의식적인 마음을 가졌다. 달리의 그림은 특히 생생하고 기괴한 꿈을 역사적 정확성과 쌍을 이룬다.
• 살바로르 달리 • 마르셀 뒤샹
표현주의(表現主義 Abstract Expressionism (1940s–1950s) 추상–1950s)
초현실주의의 유산에 의해 형성된 추상 표현주의는 제2차 세계 대전 이후 뉴욕에서 등장했다. 종종 뉴욕 스쿨 또는 액션 페인팅이라고도 한다. 이 화가들과 추상 조각가들은 기존의 것으로 여겨지는 것에서 벗어났고 대신 자발성과 즉흥을 사용하여 추상 예술 작품을 만들었다. 여기에는 이젤이 더 이상 크기를 수용할 수 없는 거대한 규모의 작품이 포함되었다. 대신, 캔버스는 바닥에 직접 배치된다.
유명한 추상 표현주의 화가는 그의 독특한 드립 페인팅으로 유명한 잭슨 폴락(Jackson Pollock )과 영적 감각을 전달하기 위해 큰 색의 블록을 사용한 마크 로스코(Mark Rothko)를 포함한다.
옵티컬 아트(Optical Art 옵 아트 Op Art, 1950s–1960s)
과학 기술의 진보와 광학 효과 및 환상에 대한 관심으로 강화된 Op 예술("광학"예술의 줄임말) 운동은 1955년 Galerie Denise Rene의 그룹 전시회 인 Le Mouvement와 함께 시작되었다. 모양, 색상 및 패턴을 사용하여 움직이거나 흐리게 보이는 이미지를 만들었으며, 최대 대비를 위해 종종 흑백으로 제작되었다. 이 추상 패턴은 혼동과 눈을 자극하기 위한 것이다.
영국 예술가 브리짓 라일리는 가장 유명한 Op Art 작가 중 한 사람이다. 그녀의 1964년 작품 'Blaze'는 지그재그로 된 검은색과 흰색 선을 사용하여 원형적 의식에 대한 인식을 만든다.
팝 아트(20세기 중후반에서 오늘날까지, Pop Art (1950s–1960s)
앤디 워홀(Andy Warhol 1928 ~ 1987) Lemon Marilyn, Sotheby 's (1998 년 5 월)를 통해 17,327,500 달러에 판매되었다.
팝 아트는20세기에 가장 잘 알려진 예술적 발전 중 하나다. 이 운동은 추상 표현주의에 사용된 방법에서 벗어나 일상적인 평범한 대상을 사용하여 소비와 대중 매체에 도전하는 혁신적인 예술 작품을 만들었다. 식별 가능한 이미지에 대한 소개는 모더니즘의 방향에서 벗어난 것이었다.
앤디 워홀Andy Warhol 및 로이 리히텐슈타인Roy Lichtenstein과 같은 팝 아티스트는 예술이 어떤 출처에서나 끌어 올 수 있다는 아이디어를 확립하려고 노력했으며 이를 방해할 문화적 계층 구조는 없다. 아마도 가장 유명한 대중문화 예술 작품은 Warhol의 '캠벨 수프 캔 Campbell 's Soup Cans' 작품 일 것이다.
• 앤디 워홀
아르테 포베라(1960년대) Arte Povera (1960s)
말 그대로 “가난한“ "빈약한" 예술로 번역한 Arte Povera는 평범한 재료를 창작물에 주입함으로써 현대적이고 현대적인 시스템에 도전했습니다. 예술가들은 토양, 암석, 종이, 밧줄 및 기타 흙 요소를 사용하여 산업화 이전의 감정을 불러일으켰다. 결과적으로 이 운동 중 주목할 만한 많은 작품이 조각품이다.
이탈리아 예술가 마리오 메르츠(Mario Merz, 1925~2003)는 Giovanni Anselmo 및 Alighiero Boetti와 같은 다른 이탈리아 예술가들과 함께 일상생활의 자료를 활용하여 반 엘리트주의 작품을 만들었다. 그의 1968년 Giap의 이글루는 곧 그의 이글루의 대표적인 시리즈 중 하나로 생활필수품인 쉼터, 따뜻함, 그리고 음식에 초점을 맞췄다.
미니멀리즘 Minimalism (1960s–1970s)
Getty Tomb, 1967, lithograph, 38 x 57.7 cm (14 15/16 x 22 11/16 in.),Gift of Benjamin B. Smith, 1985
© 2011 Frank Stella / Artists Rights Society (ARS), New York; © Gemini G.E.L. and the Artist
미니멀리스트 운동은 젊은 예술가 그룹이 추상 표현주의 예술가의 지나치게 표현적인 작품에 의문을 가지기 시작하면서 뉴욕에서 등장했다. 미니멀리스트 예술은 대신 작품의 중요성에 주목하면서 익명성에 중점을 두었다. 예술가들은 시청자들에게 정화된 형태, 질서, 단순성 및 조화를 사용하여 외부 현실과 감동적인 생각에 평행을 맞추기 보다는 자신이 앞에 있던 것에 정확하게 집중하도록 촉구했다.
미국의 예술가 프랭크 스텔라 Frank Stella는 1958년에서 1960년 사이에 완성된 그의 검은색 줄무늬 그림 'Black Paintings' 시리즈에서 보듯이, 비구상적인 그림을 만들어내는 미니멀리즘의 초기 채택자들 중 한 명이었다. 각각은 금속성 검정 잉크로 인쇄된 균일한 폭의 직선 줄무늬 패턴이 특징이다.서울 테헤란로 포스코센타 빌딩 앞에 있는 고철덩어리 같은 작품이 프랑크 스텔라의 작품 '아마벨(Amabel)이다.
개념 미술(槪念美術, Conceptual Art (1960s–1970s)
개념 예술은 이전의 예술 운동을 완전히 거부했으며 예술가는 시각적 구성 요소에 대한 아이디어를 소중히 여겼으며 공연, ephemera 및 기타 형식으로 예술을 만들었다. 폴란드의 공연 예술가인 Ewa Partum(1945~ )의 Active Poetry는 다양한 풍경에 걸쳐 알파벳 문자들이 흩어져 있다.
미국 예술가 조셉 코수스Joseph Kosuth는 1965년 '하나이면서 셋인 의자 (One and Three Chairs, '하나 그리고 세 개의 의자', '하나이자 셋인 의자'-의자 하나, 의자 사진 하나, 그리고 사전에서 말하는 '의자'라는 단어의 정의로 구성된 작품)'에서 볼 수 있듯이 예술 내 언어의 생산과 역할을 탐구했다. 그것에서, 그는 같은 물체의 다른 의미를 나타내는 세 가지 다른 방법(의자 하나, 의자 사진 하나, 그리고 사전에서 말하는 '의자'라는 단어의 정의로 구성)으로 한 의자를 대표한다. 이러한 유형의 예술은 아이디어와 개념에 중점을 두었으므로 뚜렷한 스타일이나 형태는 없었다.
현대 미술(現代美術 1970 ~현재, Contemporary Art)
1970 년대는 현대 미술의 시작으로 오늘날까지 이어지고 있습니다. 이 기간은 다양한 학교와 소규모 운동이 주도했습니다.
Jeff Koons, Michael Jackson and Bubbles, 1998. Porcelain; 42 x 70.5 x 32.5 inches. Private Collection.
• 포스트 모더니즘 Postmodernism: 모더니즘에 대항하여 예술가들은 회의론, 아이러니, 철학적 비평을 반영한 작품을 만들었습니다.
• 페미니스트 예술 Feminist art: 이 운동은 고정관념을 변형시키고 남성이 지배하는 예술사 모델을 파괴하려는 시도로 일어났습니다.
• 신 표현주의 Neo Expressionism: 예술가들은 표현주의의 독창적인 측면을 되살리려 고 노력했고, 매우 짜임새가 많고 표현력이 높고 큰 작품을 만들었습니다.
• 거리 예술 Street art: Keith Haring, Jean-Michel Basquiat, Barry McGee, Banksy와 같은 아티스트는 보도, 건물 및 육교와 같은 공공장소의 표면에 낙서 같은 예술을 만들었습니다..
• The Pictures Generation: 예술가 Cindy Sherman, Louise Lawler, Gary Simmons 등 개념과 팝 아트의 영향을 받은 사람들은 인식할 수 있는 이미지를 실험하여 세계에 대한 인식을 형성 한 이미지를 탐색했습니다.
• Appropriation art: 이 운동은 예술에서 이미지를 원래 형태에서 거의 변형시키지 않고 사용하는 데 중점을 두었습니다.
• YBA (Young British Artists): 이 런던 예술가 그룹은 이미지를 통해 청중을 놀라게 할 의지와 품위의 한계를 넘어서려는 의지로 유명했습니다. 그들은 또한 열정적이고 기업가 정신으로도 유명합니다.
• 디지털 아트 Digital art: 카메라의 등장은 예술가들이 컴퓨터, 오디오 및 비주얼 소프트웨어, 사운드 및 픽셀과 같은 매체로 만들기 위해 예술과 기술의 주입을 사용할 수 있도록 하는 예술적 실천 으로의 렌트 한 길입니다..
원문참조: Wikipedia, 곰브리치 서양미술사, 네이버 지식백과 서양미술사 연표, 위키백과 서양미술사 연표, www.invaluable.com/
이미지: Wikimedia Commons.
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